“El teatro es comunión”: Eduardo Vasco

¿Por qué decidieron hacer una colaboración entre Colombia y España para hacer realidad esta obra?

Había como una especie de anhelo por unir dos culturas que están unidas por el teatro clásico, por la lengua, un poco por el patrimonio literario, etc., y superar todo esto que ha pasado en la pandemia que no solo nos ha tenido separados entre países, sino que casi entre ciudades, barrios, vecinos. Entonces, esta especie de comunión, un poco a partir de la raíz del lenguaje que en el Siglo de Oro florece, prácticamente, pues fue una idea bella que tuvieron en el Festival de Alcalá, Ramiro Osorio; del Teatro Mayor, y Mariano de Paco, que es el director del Festival de Teatro Clásico de Alcalá de Henares. Y bueno, estaban fraguando aquello cuando me llamaron y me dijeron: “Oye, ¿quieres hacer esto con el Teatro Libre”, y yo dije: “Sí, claro, con el Teatro Libre por supuesto”. Es una compañía a la que ya conocía y tenía referencia de ellos.

¿Y cómo le ha parecido ese proceso?

Yo hago mucha comedia del Siglo de Oro desde los principios de mi carrera y yo creo que el poder compartir toda esa experiencia, todo ese desarrollo que he tenido todos estos años con una compañía que tenía otra experiencia completamente distinta, nutrirme de sus valores y ellos de los míos, pues yo creo que ha sido como hacer una especie de alquimia, como juntar elementos. Entonces, el resultado me parece muy interesante. (…) Yo creo que esa cosa de contaminarnos, que era algo que antes se hacía mucho y la hemos dejado de hacer en estos últimos cinco o seis años, entre pandemias y crisis, es algo que nos enriquece a todos.

¿Cómo le ha enriquecido a usted esta experiencia?

Yo tengo una manera de ver este tipo de piezas, porque las he transitado desde mi más tierna juventud. Y bueno, pues, digamos, que tengo una mirada probablemente muy ligada con los mismos pueblos de los que se habla, con los mismos lugares, puedo tocar casi hasta cosas que tocaron los propios autores. (…) Y de repente venir aquí y tener que reinventarlo todo para una gente que no lo ha visto nunca, pues es un reto y es una manera muy bonita también de comulgarlo.

Esta obra es una adaptación de la comedia “Donde hay agravios no hay celos”, de Francisco Rojas Zorrilla. ¿Por qué se interesó por realizar esta adaptación?

Quería profundizar un poco en la dramaturgia de este autor, porque va un poco más allá. Los personajes son canallas, son más desprejuiciados. Es gente que vive en un mundo con toda estas reglas tan absurdas del honor, la honra y todas esas cosas, pero ellos se la pasan el día tratando de salir de ahí porque no les gusta, y las mujeres están como constreñidas, pero acaban diciendo siempre que los hombres son unos inútiles. Entonces es un tipo de comedia que es una rareza dentro del Siglo de Oro.

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Usted ha hecho adaptaciones de otros clásicos. ¿Por qué ese interés?

Yo creo que hay un interés mío y hay un interés social; es decir, hay un punto de vista histórico que yo creo que te enseña mucho, te enseña con temas que ahora mismo están tan de moda como las relaciones sociales, la posición de la mujer en el Siglo de Oro, que es una mujer que siempre está pujando, pujando, porque tiene un sitio muy complicado, con lo cual ella, dentro de sus causes, tratan de romper aquello. Y Rojas Zorrilla es de los pocos autores que levantan las voces a las mujeres y dice: “No, esto no puedo seguir así. ¿Qué hacen estos tipos? No podemos seguir bajo los zapatos de estos tíos”. Entonces, hay como una especie de reivindicación ahí.

¿Qué expectativas tiene con la obra?

Yo creo que hay algo que une universalmente a nuestra cultura hispana, digamos, pero también al ser humano. Tiene que ver con la estupefacción, el asombro, ante situaciones completamente fuera de lo normal, que es lo que pasa en la comedia: empiezan planteándose situaciones que los personajes quieren resolver y se acaban enredando, y termina siendo toda una locura. Entonces, esa locura es con la que queremos contagiar al espectador, esa especie de frenesí que tienen los personajes ante los conflictos y acaban haciendo cosas fuera de lo normal, pero que, de puro estrafalaria, de puro extrañas, te conducen directamente a la comedia.

Esta obra después del estreno en Bogotá se va de gira por España…

Yo creo que es una cosa extraordinaria poder haber hecho esta comedia aquí y poder contrastarla con el público de aquí, de Bogotá, con el público de Alcalá de Henares, de Madrid, de Cáceres, de Olmedo, de Almagro, de El Escorial. Es decir, van a hacer una gira estupenda como las grandes compañías de España en el verano, que recorren todos esos festivales de verano y van a encontrarse con públicos que van variando, supongo que pasará igual aquí. El público del sur es más cálido, más abierto, más expresivo, el público del norte es más apocado (…).

¿Cómo se escogió el elenco de “Amo y criado”?

Es el elenco del Teatro Libre. Yo vine a trabajar con ellos una semana y distribuimos los personajes entre el elenco del Teatro Libre. Era uno de los alicientes para mí del proyecto: no tener que seleccionar actores que no se conocían, sino trabajar con una compañía que ya tenía una complicidad y un recorrido, con lo cual poderte asociar con una compañía así tiene muchas ventajas; una compañía que tiene dos teatros, que tiene mucha trayectoria, todo eso para mí es muy interesante.

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¿Ha sido difícil trabajar con otros actores, teniendo en cuenta que viene de una compañía teatral de España?

Es parte de la esencia del trabajo de un director de escena. El año pasado para estas fechas estaba dirigiendo una ópera en Madrid, con cantantes y, bueno, ese tipo de cambios es de los grandes alicientes del oficio. De repente, no solo conoces muchísima gente, sino que también disfrutas de talentos increíbles, y en este caso te encuentras con gente que habla tu mismo idioma, que tienen unas tablas increíbles porque tienen muchísima experiencia, y la verdad que es un disfrute poder comunicarse, porque una de las cosas que ha ocurrido desde muy pronto, desde prácticamente los ensayos, es que hay una conexión muy fuerte entre la gente que hacemos teatro y aquí se da.

Digamos que el teatro también une…

El teatro es comunión entre actores, entre espectadores, entre la obra y el elenco. El teatro es un sitio donde todo acaba convergiendo, y digamos que es el lugar donde la expresión humana te permite trasladar todo lo que tú sientes, todo lo que piensas, sin emisoras, sin dígitos, de una manera muy directa; es decir, la energía que tiene un actor y te comunica un actor es un escenario no va a volver a repetirse nunca más. Eso no pasa en ninguna plataforma, ni en el cine, ni en la radio; ni en ningún sitio.

¿En qué se diferencia esta adaptación de la comedia tradicional?

He tratado de hacer algo que tenga que ver mucho con la esencia de la comedia, con la esencia del Siglo de Oro, y también con la esencia de Bogotá. Por ejemplo, todo el espacio, la escenografía que has visto, está basada en mobiliarios, en casas en las que hemos estado y hemos podido coger elementos, con puertas que hemos encontrado en algún sitio como la Candelaria, y todo tiene un ambiente muy de acá, de algo que hemos intuido que es de aquí y que los propios actores han venido destilando, y nosotros hemos venido aquí a tratar de empaparnos de todo eso.

¿Y cuándo se traslade la obra a España conservará esa misma esencia que menciona?

La comedia es exactamente igual aquí que en Madrid, porque la gracia de eso reside en que venimos de contarle una historia al público colombiano y ahora se la vamos a contar al público español. (…) La comedia transcurre en Madrid, entonces es evidente que ellos no hablan como madrileños, pero es la gracia del mestizaje también. Cuando hacemos Hamlet o El sueño de una noche de verano, pues no nos hacemos los ingleses, con lo cual esto es un poco lo mismo, y creo que le da como una dosis de simpatía.

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¿Qué mensaje desea trasmitir con esta obra?

Hay un mensaje cuando haces Siglo de Oro que tiene que ver con el lenguaje, con la belleza del lenguaje, con la maravilla del castellano (…) Parece que los hispanohablantes somos muy poco prácticos con respecto a ese potencial; es decir, es tan fantástico. Yo, por ejemplo, me dedico a estudiar el recitado antiguo de actores de toda Hispanoamérica y es alucinante el cuidado por la lengua que se ha tenido prácticamente hasta los años 60 o 50 y el descuido con la que la tratamos ahora; es decir, uno coge un libro de García Márquez o de León de Greiff o de algún escritor de aquí y uno dice: “¡Qué maravilla!” (…) Yo creo que eso está en la madre de todo este proyecto: poder deleitarse del lenguaje.

¿Por qué decidieron hacer una colaboración entre Colombia y España para hacer realidad esta obra?

Había como una especie de anhelo por unir dos culturas que están unidas por el teatro clásico, por la lengua, un poco por el patrimonio literario, etc., y superar todo esto que ha pasado en la pandemia que no solo nos ha tenido separados entre países, sino que casi entre ciudades, barrios, vecinos. Entonces, esta especie de comunión, un poco a partir de la raíz del lenguaje que en el Siglo de Oro florece, prácticamente, pues fue una idea bella que tuvieron en el Festival de Alcalá, Ramiro Osorio; del Teatro Mayor, y Mariano de Paco, que es el director del Festival de Teatro Clásico de Alcalá de Henares. Y bueno, estaban fraguando aquello cuando me llamaron y me dijeron: “Oye, ¿quieres hacer esto con el Teatro Libre”, y yo dije: “Sí, claro, con el Teatro Libre por supuesto”. Es una compañía a la que ya conocía y tenía referencia de ellos.

¿Y cómo le ha parecido ese proceso?

Yo hago mucha comedia del Siglo de Oro desde los principios de mi carrera y yo creo que el poder compartir toda esa experiencia, todo ese desarrollo que he tenido todos estos años con una compañía que tenía otra experiencia completamente distinta, nutrirme de sus valores y ellos de los míos, pues yo creo que ha sido como hacer una especie de alquimia, como juntar elementos. Entonces, el resultado me parece muy interesante. (…) Yo creo que esa cosa de contaminarnos, que era algo que antes se hacía mucho y la hemos dejado de hacer en estos últimos cinco o seis años, entre pandemias y crisis, es algo que nos enriquece a todos.

¿Cómo le ha enriquecido a usted esta experiencia?

Yo tengo una manera de ver este tipo de piezas, porque las he transitado desde mi más tierna juventud. Y bueno, pues, digamos, que tengo una mirada probablemente muy ligada con los mismos pueblos de los que se habla, con los mismos lugares, puedo tocar casi hasta cosas que tocaron los propios autores. (…) Y de repente venir aquí y tener que reinventarlo todo para una gente que no lo ha visto nunca, pues es un reto y es una manera muy bonita también de comulgarlo.

Esta obra es una adaptación de la comedia “Donde hay agravios no hay celos”, de Francisco Rojas Zorrilla. ¿Por qué se interesó por realizar esta adaptación?

Quería profundizar un poco en la dramaturgia de este autor, porque va un poco más allá. Los personajes son canallas, son más desprejuiciados. Es gente que vive en un mundo con toda estas reglas tan absurdas del honor, la honra y todas esas cosas, pero ellos se la pasan el día tratando de salir de ahí porque no les gusta, y las mujeres están como constreñidas, pero acaban diciendo siempre que los hombres son unos inútiles. Entonces es un tipo de comedia que es una rareza dentro del Siglo de Oro.

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Usted ha hecho adaptaciones de otros clásicos. ¿Por qué ese interés?

Yo creo que hay un interés mío y hay un interés social; es decir, hay un punto de vista histórico que yo creo que te enseña mucho, te enseña con temas que ahora mismo están tan de moda como las relaciones sociales, la posición de la mujer en el Siglo de Oro, que es una mujer que siempre está pujando, pujando, porque tiene un sitio muy complicado, con lo cual ella, dentro de sus causes, tratan de romper aquello. Y Rojas Zorrilla es de los pocos autores que levantan las voces a las mujeres y dice: “No, esto no puedo seguir así. ¿Qué hacen estos tipos? No podemos seguir bajo los zapatos de estos tíos”. Entonces, hay como una especie de reivindicación ahí.

¿Qué expectativas tiene con la obra?

Yo creo que hay algo que une universalmente a nuestra cultura hispana, digamos, pero también al ser humano. Tiene que ver con la estupefacción, el asombro, ante situaciones completamente fuera de lo normal, que es lo que pasa en la comedia: empiezan planteándose situaciones que los personajes quieren resolver y se acaban enredando, y termina siendo toda una locura. Entonces, esa locura es con la que queremos contagiar al espectador, esa especie de frenesí que tienen los personajes ante los conflictos y acaban haciendo cosas fuera de lo normal, pero que, de puro estrafalaria, de puro extrañas, te conducen directamente a la comedia.

Esta obra después del estreno en Bogotá se va de gira por España…

Yo creo que es una cosa extraordinaria poder haber hecho esta comedia aquí y poder contrastarla con el público de aquí, de Bogotá, con el público de Alcalá de Henares, de Madrid, de Cáceres, de Olmedo, de Almagro, de El Escorial. Es decir, van a hacer una gira estupenda como las grandes compañías de España en el verano, que recorren todos esos festivales de verano y van a encontrarse con públicos que van variando, supongo que pasará igual aquí. El público del sur es más cálido, más abierto, más expresivo, el público del norte es más apocado (…).

¿Cómo se escogió el elenco de “Amo y criado”?

Es el elenco del Teatro Libre. Yo vine a trabajar con ellos una semana y distribuimos los personajes entre el elenco del Teatro Libre. Era uno de los alicientes para mí del proyecto: no tener que seleccionar actores que no se conocían, sino trabajar con una compañía que ya tenía una complicidad y un recorrido, con lo cual poderte asociar con una compañía así tiene muchas ventajas; una compañía que tiene dos teatros, que tiene mucha trayectoria, todo eso para mí es muy interesante.

Le invitamos a leer: El intelectual libremente oscilante

¿Ha sido difícil trabajar con otros actores, teniendo en cuenta que viene de una compañía teatral de España?

Es parte de la esencia del trabajo de un director de escena. El año pasado para estas fechas estaba dirigiendo una ópera en Madrid, con cantantes y, bueno, ese tipo de cambios es de los grandes alicientes del oficio. De repente, no solo conoces muchísima gente, sino que también disfrutas de talentos increíbles, y en este caso te encuentras con gente que habla tu mismo idioma, que tienen unas tablas increíbles porque tienen muchísima experiencia, y la verdad que es un disfrute poder comunicarse, porque una de las cosas que ha ocurrido desde muy pronto, desde prácticamente los ensayos, es que hay una conexión muy fuerte entre la gente que hacemos teatro y aquí se da.

Digamos que el teatro también une…

El teatro es comunión entre actores, entre espectadores, entre la obra y el elenco. El teatro es un sitio donde todo acaba convergiendo, y digamos que es el lugar donde la expresión humana te permite trasladar todo lo que tú sientes, todo lo que piensas, sin emisoras, sin dígitos, de una manera muy directa; es decir, la energía que tiene un actor y te comunica un actor es un escenario no va a volver a repetirse nunca más. Eso no pasa en ninguna plataforma, ni en el cine, ni en la radio; ni en ningún sitio.

¿En qué se diferencia esta adaptación de la comedia tradicional?

He tratado de hacer algo que tenga que ver mucho con la esencia de la comedia, con la esencia del Siglo de Oro, y también con la esencia de Bogotá. Por ejemplo, todo el espacio, la escenografía que has visto, está basada en mobiliarios, en casas en las que hemos estado y hemos podido coger elementos, con puertas que hemos encontrado en algún sitio como la Candelaria, y todo tiene un ambiente muy de acá, de algo que hemos intuido que es de aquí y que los propios actores han venido destilando, y nosotros hemos venido aquí a tratar de empaparnos de todo eso.

¿Y cuándo se traslade la obra a España conservará esa misma esencia que menciona?

La comedia es exactamente igual aquí que en Madrid, porque la gracia de eso reside en que venimos de contarle una historia al público colombiano y ahora se la vamos a contar al público español. (…) La comedia transcurre en Madrid, entonces es evidente que ellos no hablan como madrileños, pero es la gracia del mestizaje también. Cuando hacemos Hamlet o El sueño de una noche de verano, pues no nos hacemos los ingleses, con lo cual esto es un poco lo mismo, y creo que le da como una dosis de simpatía.

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¿Qué mensaje desea trasmitir con esta obra?

Hay un mensaje cuando haces Siglo de Oro que tiene que ver con el lenguaje, con la belleza del lenguaje, con la maravilla del castellano (…) Parece que los hispanohablantes somos muy poco prácticos con respecto a ese potencial; es decir, es tan fantástico. Yo, por ejemplo, me dedico a estudiar el recitado antiguo de actores de toda Hispanoamérica y es alucinante el cuidado por la lengua que se ha tenido prácticamente hasta los años 60 o 50 y el descuido con la que la tratamos ahora; es decir, uno coge un libro de García Márquez o de León de Greiff o de algún escritor de aquí y uno dice: “¡Qué maravilla!” (…) Yo creo que eso está en la madre de todo este proyecto: poder deleitarse del lenguaje.