La huella, el color y la textura

¿Cómo combina en sus obras la técnica del dibujo, la pintura y el scratch?

Siempre he estado en búsqueda de la parte orgánica, alrededor del color y la textura. Luego de emocionarme con esos espacios logrados con la pintura, mediante el scratch o raspado, voy en búsqueda de una huella, de lo que se hizo anteriormente. A través de eso también empiezo a jugar con el tiempo, porque algunas capas de color se van, otras llegan nuevamente, algunos dibujos que se hacen se tapan y luego se descubren nuevamente. Y esa huella es la que me lleva a mí a hablar de la historia, de nuestros antepasados. Busco esos espacios que me emocionan, que nos llevan a la textura de una piedra, de un árbol o una fruta. Y a partir de eso comienzo a jugar con elementos más simbólicos y aparece el dibujo, que ya es más consciente.

¿Qué elementos simbólicos tiene la exposición que actualmente se presenta en la galería Baobab?

En muchas de las obras que he venido trabajando está presente la canoa, que es para nosotros símbolo de un puente entre el mundo material y el mundo espiritual. Y había venido trabajando jaguares y animales más de la selva, mientras que en esta muestra aparecen otros símbolos muy cotidianos, muy domésticos. En esta exposición podemos ver también algunos gatos, algunos perros o animales de granja, como las ovejas.

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¿De dónde nació ese cambio?

Tengo mi estudio en Bogotá, pero a raíz de la pandemia me vine para Putumayo, y lo que hice fue dedicarme a sembrar árboles nativos. A partir de la siembra de árboles nació la exposición que estoy mostrando ahora en la galería Baobab, que tiene que ver con árboles y con esa siembra de ideas que se van cultivando alrededor del color. Pienso que en la pandemia, ese encierro, hizo que nosotros miráramos hacia dentro. Entonces aparecen otros elementos en la obra, por ejemplo el gato o el perro, que son animales que comparten mucho en esos espacios más pequeños.

¿Cómo llegó a ese proceso para lograr esa técnica artística?

Desde niño he estado muy cerca del arte. Soy inga de Putumayo, y nosotros estamos muy cercanos al arte, tanto espiritual como materialmente. Somos de las culturas que más tejemos, que más producimos arte alrededor de nuestra forma de percibir el mundo. Somos de las etnias que forman parte de la cultura de la ayahuasca o del yajé. Y el concepto de arte que tenemos no parte de la idea occidental, sino que el arte es visto más ritualmente. Entonces un artista, un pintor, un tejedor se vuelve como una especie de chamán.

Cuando llegué a la universidad empecé a acercarme a la pintura dentro de los conceptos occidentales, técnica y conceptualmente. Y comencé a repetir mucho ciertas obras que me encantaban. En una sola tela hacía tres propuestas al mismo tiempo y reunía varios elementos en la misma obra. Y me di cuenta de que lo que no quería mostrar era el resultado en sí, la última pincelada, sino todo el proceso. Quería mostrar todas las ideas, todo lo que había hecho al confrontarme con esa tela y con ese color. Me di cuenta de que al escudriñar el color, me empezó a cautivar la textura en sí, y ahí empezó a aparecer la huella. Eso sigue pasando, en la obra mía puede haber unas cinco o seis interpretaciones. También por eso en esta exposición quise colocar obras de hace más o menos siete u ocho años, ya que los vuelvo a retomar. Fue un proceso inconsciente de darme cuenta que el cuadro al cual quería llegar no era la última pincelada ni el último color. Es todo el proceso, y precisamente lo que estoy mostrando en una obra es todo lo que ha ocurrido en ella.

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¿De dónde vino el nombre “Entre la línea y el color”?

Precisamente tiene que ver con la unión de esos dos conceptos que quiero que se encuentren en mis obras: la abstracción y la figuración.