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Anthony Hopkins gana el Óscar al mejor actor por “El padre”
Anthony Hopkins, verdadera leyenda del séptimo arte, se transforma hábilmente para ofrecer interpretaciones memorables, la de un asesino caníbal, un papa emérito o el presidente de Estados Unidos. Pero fue su rol de frágil anciano el que le valió su segundo Óscar.
Hopkins, quien a los 83 años es el actor de mayor edad en ganar un Óscar competitivo, superó al fallecido Chadwick Boseman, cuyo papel en “La madre del blues” le valió un Globo de Oro póstumo tras su muerte de cáncer a los 43 años. Además, venció a Riz Ahmed (“El sonido del metal”), Gary Oldman (“Mank”) y Steven Yeun (“Minari”).
Casi tres décadas después de ganar su primera estatuilla al mejor actor en 1992 por su escalofriante interpretación de un asesino en serie en “El silencio de los inocentes”, de Jonathan Demme, volvió a ganar el premio por encarnar a un anciano que se hunde en la demencia en “El padre”, dirigida por el francés Florian Zeller. Le invitamos a leer: La fragilidad por Hopkins y la impotencia por Colman
En esta película, adaptación de una exitosa obra de teatro, que a veces roza el género del thriller, su hija, interpretada por la británica Olivia Colman, y otros miembros de su entorno se vuelven irreconocibles y su propio apartamento parece transformarse. Su personaje comparte su nombre de pila, Anthony, y su fecha de nacimiento, 31 de diciembre de 1937.
“No fue un problema interpretar a una persona mayor, porque soy viejo”, dijo el actor al periódico The Times. Pero el papel le marcó. “Me hizo más consciente de la mortalidad y la fragilidad de la vida, y desde entonces juzgo menos a la gente. Todos somos frágiles, todos estamos dañados”.
La película le recordó los últimos días de su padre. “Sabía lo que sentía al final. El miedo. La indecible melancolía, la tristeza y la soledad. Todos fingimos que no estamos solos, pero todos estamos solos. El éxito es bueno, es una forma de sobrevivir, pero al final todos estamos desesperadamente, desesperadamente solos”, dijo a The Times.
En una carrera de seis décadas en el teatro, la televisión y el cine, el legendario actor ha interpretado a personajes tan diversos como un rey de Inglaterra (Ricardo Corazón de León), un primer ministro británico (David Lloyd George), dos presidentes de Estados Unidos (John Quincy Adams y Richard Nixon), Hitler, Danton, Isaac Rabin, Charles Dickens, Pablo Picasso y Alfred Hitchcock.
Hopkins se ha hecho un nombre en interpretaciones demoníacas pero contenidas, como bajo la dirección del británico James Ivory en “Lo que queda del día” (1993), por la que también ganó un Oscar a la mejor interpretación masculina, y Richard Attenborough en “Tierra de penumbra” (1993).
En “Los dos Papas” se puso en la piel de Benedicto XVI, el alemán Joseph Ratzinger, un pontífice estricto y conservador, en diálogo con su carismático sucesor Francisco, interpretado por Jonathan Pryce.
Frances McDormand gana el Óscar a la mejor actriz por “Nomadland”
La protagonista de “Nomadland”, Frances McDormand, se unió el domingo al grupo más elitista de Hollywood al ganar su tercer Óscar actoral, gracias a su poco glamoroso retrato de una viuda afligida que vive en una vieja camioneta.
McDormand se convierte así en el séptimo intérprete que obtiene tres premios de la Academia y la cuarta mujer en lograr esta hazaña después de Meryl Streep, Ingrid Bergman y Katharine Hepburn, quien se encuentra sola en la cima con cuatro estatuillas.
“No tengo palabras. Mi voz está en mi espada. Sabemos que la espada es nuestro trabajo. Y me gusta el trabajo. Gracias por saberlo. Y gracias por esto”, dijo la actriz al recorger su galardón.
Su papel de Fern se suma a la serie de mujeres hastiadas, duras y sufridas que ha interpretado McDormand, de 63 años, en una carrera de cinco décadas donde ha elegido principalmente películas independientes.
Su personaje en “Nomadland” se está recuperando de la pérdida de su esposo y de su antigua ciudad natal de Empire, Nevada, que se quedó hasta sin código postal cuando el cierre de la planta local de yeso forzó a toda la población a irse.
La difícil situación de Fern es vista como una representación de la situación que padecieron miles de estadounidenses que quedaron al margen de la sociedad por la llamada Gran Recesión y, más recientemente, por la pandemia. “Es un gran documento de un momento muy específico de nuestro mundo”, ha dicho McDormand.
El primer Óscar de McDormand a la mejor actriz llegó en 1997 por su interpretación de Marge Gunderson, una policía embarazada en “Fargo”. La cinta fue dirigida por su esposo, Joel Coen, y su cuñado Ethan.
Su segundo premio de la Academia lo ganó hace apenas tres años como mejor actriz por su papel de una madre que busca vengar la violación y el asesinato de su hija en “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” (“Tres anuncios por un crimen”).
“Nomadland” gana el Óscar a mejor película
“Nomadland”, una fusión única de road movie, western, drama y documental, que muestra la vida itinerante de estadounidenses marginados por la crisis financiera mundial, ganó el domingo el Óscar a mejor película, el máximo premio de la industria cinematográfica.
El film de Chloé Zhao era favorito desde hacía meses, luego de que arrasara con premios de festivales y sindicatos en un año en el que muchas grandes producciones se pospusieron por la pandemia.
Su victoria es histórica: es la primera de una película dirigida por una mujer de origen asiático, y está protagonizada por un elenco de actores no profesionales que en su mayoría hacen de sí mismos.
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Zhao agradeció en particular a la “comunidad nómade”. “Gracias por enseñarnos el poder de la resiliencia y la esperanza. Y por recordarnos cómo es la verdadera bondad”, dijo al recibir la estatuilla.
La película está basada en el libro de 2017 “País Nómada: Supervivientes del siglo XXI”, que escribió la periodista estadounidense Jessica Bruder después de vivir en una casa rodante junto a estos itinerantes trabajadores de bajos salarios que deambulan por Estados Unidos.
Fue Peter Spears, productor de “Llámame por tu nombre”, quien le presentó la historia a Frances McDormand, también coronada el domingo por su papel en la cinta.
Ella puso el proyecto en manos de Zhao, cuya película “The Rider”, un western con temática de rodeo, la había dejado hipnotizada en un festival.
Zhao aceptó inmediatamente y propuso crear el personaje de Fern, interpretado por McDormand, como una amalgama de varios personajes del libro. La directora también recurrió a Bruder para rastrear a los nómadas del libro, como Linda May, Swankie y Bob Wells, que aparecen en la película como ellos mismos.
“Para todos nosotros, trabajar de manera híbrida con actores profesionales y no profesionales era algo nuevo”, dijo Spears. Los productores habían subrayado “los enormes riesgos inherentes a este proceso cinematográfico” cuando fueron a proponer la idea al estudio Searchlight Pictures.
“Fuimos muy directos al respecto y les dijimos ‘Esto es lo que sabemos, esto es lo que no sabemos y así es como lo vamos a abordar’ (...) No parpadearon”, contó.
Tres sonidistas mexicanos ganan el Óscar por “El sonido del metal”
Los mexicanos Carlos Cortés, Michelle Couttolenc y Jaime Baskcht ganaron el domingo el Óscar en la categoría Mejor Sonido por la película “El sonido del metal”.
El actor y rapero anglopaquistaní Riz Ahmed, nominado a mejor actor por este film sobre un baterista que de repente pierde la audición, anunció el galardón, que también recibieron el francés Nicolas Becker y el estadounidense Phillip Bladh.
“Gracias por reconocer que el sonido es algo muy importante al hacer películas. Creo que esta película capta esa idea muy bien”, dijo Baskcht, en declaraciones al margen de la ceremonia. “Querría agradecer a México”, dijo de su lado Cortés, quien se dijo “abrumado” por la distinción.
“El sonido del metal”, una película independiente de bajo presupuesto escrita y dirigida por Darius Marder, se estrenó en el festival de Toronto en 2019, y fue comprada poco después por Amazon Prime.
En la categoría Mejor Sonido, la cinta se impuso a las películas “Greyhound”, “Mank”, “News of the World” y “Soul”.
Sound of Metal – Official Trailer
Youn Yuh-jung gana el Óscar a la mejor actriz de reparto por “Minari”
La actriz surcoreana Youn Yuh-jung, ganadora del Óscar en la categoría de mejor actriz de reparto por su interpretación en “Minari”, suele encarnar personajes anticonformistas que, como ella, tratan de sacudir los valores tradicionales profundamente anclados en la sociedad surcoreana.
“¿Cómo puedo ganarle yo a Glenn Close?”, preguntó Youn al recibir la estatuilla en Los Ángeles. “Interpretamos roles distintos. No podemos competir una con la otra. Esta noche tuve un poco de suerte”.
Desde el inicio de su prolífica carrera, hace más de medio siglo, Youn ha preferido personajes femeninos provocadores y singulares.
En “Minari”, drama familiar de coreanos migrados a Estados Unidos nominada al Óscar como mejor película, da vida a la abuela de un adolescente que trata de integrarse en el estado rural de Arkansas.
Bong Joon-hon, que ganó el año pasado el Óscar al mejor director por “Parásitos”, cree que es “el personaje más bello que ha interpretado” y la página estadounidense especializada IndieWire calificó su actuación de “totalmente extraordinaria”.
“Minari” parece haber empezado con buen pie para conocer el mismo éxito que “Parásitos”, la sátira corrosiva sobre las desigualdades sociales en Corea del Sur, que el año pasado obtuvo la estatuilla dorada a la mejor película en lengua extranjera.
Youn, que asegura que “no ama la competición”, considera que “esta nominación tiene tanto valor como el mismo premio”.
“Estoy feliz que en Estados Unidos se interesen en la señora Youn. Es un tesoro”, dijo el año pasado Lee Isaac Chung, el director de “Minari” en el festival de Busan.
Nacida en 1947 en Kaesong, una ciudad situada actualmente en Corea del Norte, debutó en el cine en 1971 bajo la dirección del vanguardista Kim Ki-young cuyo trabajo sigue inspirando a cineastas surcoreanos como Bong.
En aquel film, “Woman of Fire”, interpretaba a una empleada en una familia de clase media que acaba teniendo una relación con el padre de la familia.
La cinta de suspenso, convertida en un clásico del cine surcoreano, le valió varios premios, entre ellos el de mejor actriz en el festival de Sitges.
Pero su carrera sufrió un parón brusco en 1975 tras su boda con el cantante Jo Young-nam y su instalación en Estados Unidos.
Menos de 10 años después, en 1984, regresó a su país natal y tres años después se divorció.
Reanudar su carrera de actriz para mantener a sus dos hijos no fue fácil, en un momento en que el divorcio estaba estigmatizado.
Aceptó todas las propuestas, incluso pequeños papeles, y en los años 90 apareció regularmente en series de televisión, en la piel de una madre de familia y después en la de una abuela.
“Divorciarse era como cometer un adulterio”, contó en 2009, “y las “mujeres no podían aparecer en la televisión después de su divorcio”.
En 2003, Youn volvió a la gran pantalla en “La esposa del buen abogado” de Im Sang-soo, en la piel de una suegra anticonformista en una familia desequilibrada.
Después encarnó a una rica y cruel heredera engañada por su esposo en 2012 en el drama “El sabor del dinero”.
En 2016, en “Canola”, es una buceadora en apnea que recoge conchas y encuentra a su nieta desaparecida desde hace tiempo.
Un año después, es elogiada por su interpretación en “The Bacchus Lady”, de Lee Je-yong, en la que interpreta a una prostituta madura que se ve obligada a cometer crímenes.
“Los buenos realizadores me apreciaron en el buen momento”, dijo en una entrevista en 2018 Youn, que asegura que “no es creativa” sino una buena trabajadora.
También forma parte de las pocas actrices de su generación que sigue siendo popular entre los jóvenes coreanos, gracias a su autenticidad y su humor lleno de autocrítica.
Según Jason Bechervaise, profesor en la Korea Soongsil Cyber University, Youn ha sabido navegar en esta industria muy competitiva “y muy volcada a los jóvenes talentos, a menudo masculinos, para los papeles principales”.
Es una de las “raras grandes actrices de su generación que ha trabajado de manera tan constante en el cine coreano en las últimas décadas mientras el cine coreano se desarrollaba a nivel nacional como internacional”.
“Soul” gana el Óscar a la mejor película de animación
“Soul”, la fábula de ensueño de Pixar sobre el significado de la vida, estrenada en medio de una pandemia mortal, se alzó el domingo con el Óscar a la mejor película animada, el último de una larga lista de éxitos de la filial de Disney.
El film es el largometraje número 23 y la última historia original de Pixar, casa de la franquicia enormemente popular “Toy Story”, así como de cintas premiadas como “Ratatouille”, “WALL-E” y “Los Increíbles”.
También es la primera película de Pixar con un protagonista negro.
“No teníamos ni idea de lo que el jazz podía enseñarnos sobre la vida. Al igual que un músico de jazz, podemos convertir cualquier cosa que ocurra en algo de valor y algo de belleza”, declaró uno de los directores de “Soul”, Pete Docter, al recibir el Óscar a la mejor película de animación.
“Soul” cuenta la historia de Joe Gardner, un humilde profesor de música de la secundaria en Nueva York que aspira a ser un pianista de jazz.
Después de conseguir tocar en un concierto que podría ser su gran oportunidad, Joe -que en inglés tiene la voz del ganador del Óscar Jamie Foxx, y en español, la del actor mexicano Óscar Flores- sufre una grave caída y se ve atrapado entre la Tierra y la otra vida.
Luego termina por error en el “Gran Antes”, un mundo donde las almas no nacidas se preparan para la vida y obtienen sus rasgos de personalidad, buenos y malos, antes de obtener un cuerpo humano.
Este universo abstracto, imaginado por el legendario creador de Pixar Pete Docter, guionista y director de las oscarizadas “Up: una aventura en altura” e “Intensa-mente”, explora las profundidades de la condición humana: ¿nacemos con un propósito? ¿Tiene sentido la vida? ¿Necesitamos encontrar ese significado?
La película alterna entre las muy realistas calles de Nueva York y el universo de fantasía del “Gran Antes”.
Pixar, pionera tanto en el tema como en el formato de las películas animadas, vuelve sobre el tema de la muerte, como lo hizo con “Up: una aventura en altura” y nuevamente con “Coco”.
“Soul” también toma prestados elementos de “Intensa-mente”, un film de 2015 que analiza el funcionamiento interno de la mente de una niña introvertida.
Docter le dijo a la publicación Deadline a principios de este año que “Soul” es “una investigación sobre lo que realmente está pasando en la vida y cómo se supone que debemos vivir”.
El codirector y escritor Kemp Powers agregó: “Es esta idea de que la vida se trata de improvisar y tener que tomar todas las cosas inesperadas que te caen y convertirlas en algo valioso, convertirlas en algo hermoso”.
Powers dijo que Pixar proyectó la película para audiencias de prueba para asegurarse de que no fuera demasiado sombría para los niños.
“Se dan cuenta de todo. Son muy inteligentes”, dijo Docter a la radio pública NPR.
Docter también dijo que discutieron la idea con “sacerdotes, rabinos y expertos en el Islam, el hinduismo (...) para ver cómo estas diferentes tradiciones miran el alma y el más allá y el mundo más allá de nuestras formas corporales”.
“Soul” terminó compitiendo en los Óscar con otra película de Pixar, “Unidos” (Onward), estrenada casi un año antes, porque el calendario de la temporada de premios se vio alterado por el covid-19.
Chloé Zhao gana el Óscar a mejor dirección por “Nomadland”
Chloe Zhao, la cineasta nacida en Pekín y cuyas películas independientes narran la vida en el corazón de Estados Unidos, se convirtió este domingo en la segunda mujer en ganar un Óscar a la mejor dirección.
La realizadora de 39 años cautivó a los votantes de la Academia con su tercer film “Nomadland”, un drama de ficción que bordea lo documental sobre la comunidad invisible de estadounidenses mayores que viven en casas rodantes y consideran que la carretera es su hogar.
Después del premio a la dirección de Kathryn Bigelow en 2010 por “The Hurt Locker”, Zhao es la segunda mujer ganadora en los 93 años de historia de los premios Óscar.
“Esto es para cualquiera que tenga la fe y el valor de aferrarse a la bondad en su interior. Y aferrarse a la bondad de los demás”, declaró al recibir el premio a la mejor dirección.
Nacida como Zhao Ting e hija de un rico ejecutivo de una empresa siderúrgica china, la directora dejó el país cuando era adolescente para asistir a un internado británico, y terminó su formación en Los Ángeles y Nueva York.
Pero Zhao pronto se enamoró de los amplios y salvajes entornos rurales de su patria adoptiva, Estados Unidos: “Nomadland” es solo su último homenaje a los espectaculares paisajes de estados escasamente poblados, de “paso”, como Dakota del Sur y Nebraska.
Zhao se topó con imágenes de la nación indígena Lakota por casualidad mientras estaba en la escuela de cine de Nueva York.
Y sintiéndose desconectada en el extranjero a sus veintitantos años, decidió que no podía hacer una historia mejor sobre la Gran Manzana que “las que ya se han contado”, y decidió “ir al oeste”.
Su primera película “Songs My Brothers Taught Me”, sobre una adolescente que sueña con una vida más allá de la reserva de Pine Ridge, la obligó a pasar meses inmersa en la remota región indígena del medio oeste.
La película ganó premios en festivales, pero el gran avance de Zhao llegó dos años después con “The Rider”, otro film cercano al género Western rodado en Pine Ridge y el Parque Nacional Badlands.
Daniel Kaluuya gana el Óscar al mejor actor de reparto
Daniel Kaluuya ganó el Óscar al mejor actor de reparto por su papel de Fred Hampton, el fallecido líder de la organización política Black Panther, en el film “Judas y el mesías negro”.
Se impuso a su coprotagonista en la película, Lakeith Stanfield, así como a Sacha Baron Cohen (“El juicio de los 7 de Chicago”), Leslie Odom, Jr. (“Una noche en Miami”) y Paul Raci ( “Sonido de Metal”).
Enfrentado al racismo desde joven, el actor británico Daniel Kaluuya, ganador de un Óscar por su interpretación de Fred Hampton en “Judas y el Mesías negro”, se basó en su inmenso respeto por el líder de los Panteras Negras para encarnarlo en la gran pantalla.
Encarnar a sus 32 años al carismático líder de los derechos civiles le valió la estatuilla dorada al mejor actor de reparto, en un momento en que las injusticias raciales contra las que lucharon los Panteras Negras en la década de 1960 no han desaparecido.
“Fred Hampton era una luz, un faro que iluminaba todo lo que tocaba con su increíble mensaje”, dijo Daniel Kaluuya el mes pasado tras el anuncio de su nominación al Óscar, la segunda de su carrera.
Conmovido por “representar a un hombre cuyos principios respeta profundamente”, aseguró que quería “convertirse en un recipiente del espíritu de Fred en un momento en que necesitamos más que nunca su grito de guerra por la igualdad y la justicia”.
La victoria de Kaluuya en los Óscar, por un papel que ya le valió un Globo de Oro, fue uno de los momentos fuertes de la ceremonia un año después del estallido del movimiento Black Lives Matter.
El actor se impuso a una dura competencia, incluida la del otro protagonista de la película, Lakeith Stanfield, en el papel de “Judas”, un informante del FBI.
Considerado una estrella emergente del cine estadounidense, Kaluuya había sido nominado previamente a los premios de la Academia al mejor actor en 2018 por su trabajo en la película de terror “¡Huye!”.
- Inicios en el teatro -
Nacido en Londres, Kaluuya creció en un barrio de bajos ingresos de la capital británica, criado solo por su madre, una inmigrante de Uganda, país en el que se había quedado su padre.
Tras ver a su hijo escribir su primera obra de teatro a los nueve años, su madre decidió inscribirlo en la escuela de teatro local, en la que fue admitido tras cinco años de espera.
El actor debutó en la serie adolescente británica “Skins”, donde también colaboró con el equipo de guionistas.
Entonces consiguió su primer papel en el teatro y en 2010 recibió un torrente de críticas favorables por su papel en “Sucker Punch”, adelgazando drásticamente para interpretar el personaje de un boxeador.
“Another Round” gana el Óscar a mejor película internacional
Another round”, una conmovedora oda a la vida a través de una improbable y peligrosa experiencia alcohólica, ganó este domingo el Óscar a mejor película internacional después de haberse quedado por poco sin ver la luz, debido a la trágica muerte de la hija de su realizador, el danés Thomas Vinterberg.
Al recibir su premio, el director, entre lágrimas, habló de su hija Ida, cuya muerte en un accidente automovilístico al inicio del rodaje casi acabó con el proyecto, y a quien la película está dedicada.
“Si alguien se atreve a creer que ella está aquí de alguna manera, podrá verla aplaudiendo y vitoreando con nosotros”, dijo Vinterberg, emocionado. “Terminamos haciendo esta película para ella, como un monumento a ella”.
La comedia dramática dirigida por Thomas Vinterberg que se sumerge en los altibajos del culto danés a la bebida se alzó frente a “Better Days” (Hong Kong), “Collective” (Rumania), “The Man Who Sold His Skin” (Túnez) y “¿Quo Vadis, Aida?” (Bosnia).
“Druk” -embriaguez, su título original en danés; “Otra ronda” en los países de habla hispana- sigue a cuatro amigos de siempre, profesores de la misma escuela secundaria que sobrellevan la monotonía cerca de Copenhague. Entre ellos Martin, un deprimido profesor de historia en plena crisis de los cuarenta interpretado por la estrella danesa Mads Mikkelsen.
La pequeña banda decide entonces inspirarse en una teoría atribuida al psiquiatra noruego Finn Skårderud -pero desmentida por él- según la cual el ser humano nace con un ligero déficit de alcohol en la sangre.
Beben entonces para estar permanentemente a 0,5 g de alcohol, desde el despertar hasta la cena, y registran escrupulosamente los efectos del experimento.
Después de los primeros resultados alentadores de una embriaguez liberadora, la situación degenera -aunque la película se niega a la vez al juicio moral o a toda glorificación del alcohol- y se revela a menudo divertida.