Para muchos, Linda Ronstadt es la figura femenina más importante del rock y la música pop de su generación. Y no es para menos: la cantante grabó más de treinta álbumes, vendió más de cien millones de discos, fue premiada con diez Grammy y grabó con muchas de las grandes y variadas figuras de la música, entre ellos Neil Young, Frank Zappa, Emmylou Harris, Paul Simon, Rosemary Clooney, Johnny Cash y Nelson Riddle. Su singular voz aparece en más de 120 discos en todos los géneros: folk, country, rock, pop, jazz, mariachi, boleros y hasta en un musical.
El pasado 26 de junio, la artista de ascendencia mexicana, que padece las consecuencias de la enfermedad de Parkinson, fue homenajeada en el centro cultural La Plaza de Cultura y Artes de Los Ángeles, y allí hubo oportunidad de entrevistarla.
¿Qué puede decir sobre el primer show que realizó de “Canciones de mi padre” en San Antonio, Texas? ¿Por qué fue tan especial para usted?
Tres generaciones llegaron al concierto. Compraron boletos en la puerta sin anticipación. Mi promotor casi tuvo un ataque al corazón. Nunca se me ocurrió que el disco tenía que venderse. Simplemente pensé que tenía que grabarlo, me gustaba tanto la música, estaba desesperada por hacerlo y no pensé más. Luego, cuando llegué a ese lugar, dije: “Dios mío, nos va a ir mal: nadie vendrá a verme cantar en español, gritarán: “Que cante Blue Bayou”. Y no fue así: estaban realmente felices de escuchar las canciones en español.
Dijo en una entrevista que intentaba expresar esa profunda emoción de Lola Beltrán en “Blue Bayou”...
Sí, Blue Bayou tenía ese final de falsete; tenía una especie de sentimiento playero, con ritmo tropical, y me hizo pensar en una canción mexicana, especialmente por ese gran coro. Mi principal influencia fueron las cantantes mexicanas; Lola Beltrán fue la más importante, ella es a quien realmente traté de copiar cuando estaba creciendo, y me costó mucho encontrar una resonancia en la música pop estadounidense porque su procedencia es más de iglesia negra.
¿Cuándo escuchó por primera vez a Lola Beltrán?
Cuando tenía unos ocho años. Mi papá hacía un viaje de negocios a México cada año y siempre regresaba con un montón de discos de Los Panchos, el Trío Calaveras, el Trío Tariácuri, Amalia Mendoza, Miguel Aceves Mejía y Lola Beltrán, principalmente. Yo la adoraba, me enamoré de su música. Cuando quise convertirme en cantante profesional quise aprender esas canciones, pero en esos días no se podía buscar en internet y encontrarlas.
Grabó el álbum “Frenesí” y dos discos de rancheras con mariachi. ¿Hay algo más que le hubiera gustado grabar en español?
Quería hacer un disco de trío con las canciones del Trío Calaveras, pero ya no podía cantar, por la enfermedad de Parkinson. Esos discos están ahí y son los mejores, no podría superarlos.
A principios de la década de 1980, cuando grabó el primer álbum con Nelson Riddle, dijo: “La música latina va a ser importante en los Estados Unidos”. ¿Por qué tuvo esa intuición?
Depende a qué te refieres con Latin music. Para mí, Latin music significa música caribeña, música de Cuba, Puerto Rico y la costa este de México. Pero ahora incluye cosas como reguetón. Para mí, la música latina es una forma de música pop. Yo quería cantar algunos de esos grandes standards latinos, equivalentes a los que grabé con Nelson Riddle. Durante la Segunda Guerra Mundial, cuando nuestros hombres (en Estados Unidos) estaban ocupados peleando en la guerra, había grandes compositores mexicanos, puertorriqueños y cubanos que llenaban el vacío con grandes canciones pop como Frenesí. What a Difference a Day Makes fue originalmente Cuando vuelva a tu lado en español. Yo quería cantar todo eso.
En ese disco la banda fue dirigida por Ray Santos, de Puerto Rico, y había músicos destacados: Justo Almario, en el saxofón, de Colombia, y ¿quiénes más?
Armando Peraza en la percusión y Yomo Toro, en el tres.
El álbum “Live in Hollywood” acaba de ser lanzado, ¿cómo fue el proceso de grabación?
Fue grabado en un estudio de televisión, con una audiencia pequeña y hacía más calor que en el infierno; demasiado calor para trabajar. Recuerdo que solo sudaba y trataba de cantar.
Cuando llegó a Los Ángeles, en los años 60, la escena era realmente emocionante, ¿cierto?
Sí. El club The Troubadour era el centro del negocio de la música: todos los que podían tocar realmente bien se reunían allí: se convirtió en una especie de sustituto de la familia, una sociedad de café, supongo que se le llama. Y la gente iba todas las noches, solo para pasar el rato. Joni Mitchell, Carole King, Elton John, James Taylor, Neil Young, Crosby, Stills & Nash, todos tocaban en The Troubadour. Así que podías escucharlos durante varias noches.
¿Estuvo allí cuando Elton John hizo su debut en The Troubadour?
Ahí estuve. Vino a dar un set de invitados. Todos teníamos el álbum que había lanzado hacia pocos días, con el tema Take Me to the Pilot. Todos habíamos escuchado el disco y sabíamos que venía. Escucharlo en el escenario fue igual que una explosión. Pero ahí vi también a Joni Mitchell dos semanas enteras. Fui a todos los shows, dos por noche, tres los fines de semana.
Hay un nuevo documental sobre su carrera que saldrá en septiembre en CNN. ¿Qué opinión tiene de ese trabajo?
Vi un borrador, no tuve nada que ver con él, les di algunas fotografías. Son muy buenos los dos directores, vi un documental que hicieron sobre Harvey Milk; muy buen trabajo, muy respetuoso. Muchas personas quieren hacer un documental, y es extraño ese sentimiento de que lo examinen a uno de cerca. Fue extraño verlo, es como mirar tu vida en retrospectiva ante tus ojos. Pensé, ¿por qué hice eso? ¿Por qué dije eso? ¿Qué ropa llevaba puesta? Creo que es mejor no mirarlo. Es como verse al espejo demasiado tiempo.