La poesía torturada de Taylor Swift: un viaje literario a través de su música

Todo se vale en el amor y en la poesía. Al menos, eso es lo que dice Taylor Swift. No es solo que lo afirme, sino que ha querido demostrarlo en carne propia a lo largo de su vida y obra, creando mundos que nacen y funcionan bajo sus propias reglas. Esa es la tarea a la que se dio la artista estadounidense de 34 años con su más reciente disco The Tortured Poets Department (TTPD), un universo de dos partes en el que los poetas son protagonistas, los personajes ficticios encarnan sentimientos y opiniones reales, y donde, como siempre, hay espacio para hacer confesiones sobre su propia vida.

Todo se vale en el amor y en la poesía. Al menos, eso es lo que dice Taylor Swift. No es solo que lo afirme, sino que ha querido demostrarlo en carne propia a lo largo de su vida y obra, creando mundos que nacen y funcionan bajo sus propias reglas. Esa es la tarea a la que se dio la artista estadounidense de 34 años con su más reciente disco The Tortured Poets Department (TTPD), un universo de dos partes en el que los poetas son protagonistas, los personajes ficticios encarnan sentimientos y opiniones reales, y donde, como siempre, hay espacio para hacer confesiones sobre su propia vida.

“Esta escritora cree firmemente que nuestras lágrimas se vuelven sagradas en forma de tinta sobre una página. Una vez que hemos contado nuestra historia más triste, podemos liberarnos de ella. Y luego solo queda la poesía torturada”, escribió Swift sobre las 31 canciones que componen TTPD, un álbum que recoge los últimos años de su vida, esos que fueron “un momento fugaz y fatalista”, como ella misma lo ha descrito.

Con este álbum, que resulta de su “poesía torturada”, Swift busca marcar el cierre de ese capítulo en el que tuvo un rol clave su anterior pareja y que fue tan “triste como sensacional”. En su reseña, la revista Rolling Stone lo aclamó y señaló que TTPD combina la intimidad de los álbumes Folklore y Evermore “con el brillo del synth-pop de Midnights para crear música tremendamente ambiciosa [...] Suena confusa, amarga, furiosa, vulnerable y, sin embargo, más gloriosamente caótica de lo que la hemos escuchado antes”.

Sin embargo, algunos críticos han condenado que el álbum contiene una serie de continuidades, por ejemplo, la marca de agua que es el trabajo del productor Jack Antonoff en sus discos o el que las letras estén, una vez más, relacionadas con el desamor.

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“Musicalmente, es un álbum prácticamente desprovisto de cualquier cambio o evolución estilística notable” publicó el medio New Musical Express (NME) en su reseña. “’I Can Do It With A Broken Heart’ destaca su implacable ética de trabajo que no flaquea en medio de una tragedia personal. Pero parece más preparado para la viralidad en Internet que para cualquier cosa más sustancial [...]. Letras como ‘Estoy tan deprimido que actúo como si fuera mi cumpleaños todos los días’ están escritas de manera demasiado evidente para sincronizarlas con los labios en la cámara frontal de un iPhone 13″.

La reseña dice que el disco “carece de los cambios genuinamente interesantes que han marcado la carrera de Swift hasta ahora”.

Taylor Swift y la literatura

Pero los vasos comunicantes con sus 10 discos anteriores también se encuentran en otros lugares más allá de sus letras, como en su diálogo con la poesía. En la canción que lleva el mismo nombre de este último álbum, se hace referencia al poeta inglés Dylan Thomas y la cantante y poeta estadounidense Patti Smith. “I laughed in your face and said / ‘You’re not Dylan Thomas, I’m not Patti Smith / This ain’t the Chelsea Hotel, we’re modern idiots’”.

Thomas y Smith vivieron, en diferentes momentos de la historia, en el Chelsea Hotel, en Nueva York, un lugar conocido por ser el refugio de escritores y artistas, como Allen Ginsberg y Andy Warhol. “A Dylan Thomas es a quien invocas si quieres hablar de un poeta romántico y autodestructivo que tenía el talento para respaldarlo, pero que no tenía ninguna habilidad para cuidarse a sí mismo”, explicó a los medios estadounidenses Stephanie Burt, PhD en Literatura por la Universidad de Yale y quien dicta la clase “Taylor Swift y su mundo” en el departamento de English de la Universidad de Harvard.

De acuerdo con Burt, con su canción Swift está diciendo “no seamos el tipo de artistas que hacemos de nuestra naturaleza autodestructiva y torturada, el centro de nuestro arte, lo que invita a todo el mundo a mirar el desastre que somos”.

Y es que la discografía de Taylor Swift es un universo al que bien uno podría acercarse como a cualquier obra literaria. No es casual que, además de la clase de Burt en Harvard, sea estudiada en departamentos de música, artes y economía en las universidades de Nueva York, California, Texas, Stanford o el Berkley College of Music.

“Me gusta hacer la comparación con Bob Dylan, en la medida en que Bob Dylan tiene una de las obras discográficas más completas de la música popular norteamericana y, mucho antes del Premio Nobel de Literatura, ya se consideraba una obra literaria. Aunque puede ser prematuro juzgar esto mismo en Taylor Swift, siento que precisamente por el manejo de la lírica, de las figuras literarias, de la metáfora e incluso de las temáticas que tienen que ver con la poesía que a ella le interesa, creo que con el paso del tiempo se puede considerar una obra literaria”, señala el poeta Federico Díaz-Granados, quien lleva años escuchándola.

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La música de Swift, además de tener en su génesis la historia del country y el pop, dialoga con la tradición literaria anglo y, lejos de ser una discografía sobre sus exnovios, plantea un pensamiento universal en sus letras, sus personajes, y sobre ella como artista y protagonista.

Para Díaz-Granados, Swift busca traducir la sensibilidad de un tiempo y una generación que ha estado sumergida “bajo nuevos autoritarismos, bajo una estética que proponen las redes sociales de manera superficial, de una degradación del lenguaje”. Taylor Swift, agrega el escritor, “ha sabido traducir las emociones y la sensibilidad de una época. Sus canciones dan cuenta de ello y seguramente en muchos años podremos entender los corazones de muchos jóvenes de este comienzo de siglo, que además es un siglo que ha estado marcado por el miedo: comienza con la caída de las Torres Gemelas y con ello empieza una hipervigilancia y un nuevo autoritarismo y persecución mundial”.

“Swift se está estableciendo como una especie de aliada para nosotros, lo que el poeta y teórico literario Allen Grossman llama un ‘amigo hermenéutico’. El texto literario o musical en el que te metes te va a ayudar, sabe simultáneamente más que tú y sabe lo que te pasa”, agregó Burt en un comunicado de Harvard.

En sus primeros álbumes, Taylor Swift (2006) y Fearless (2008), la artista canta historias de amor que rozan con la fantasía, como “Tim McGraw” o “You belong with me”. De hecho, en un guiño a Romeo y Julieta de William Shakespeare, crea una versión -”Love Story”- en la que los protagonistas no mueren, sino que tienen agencia y toman la decisión de prometerse un “felices para siempre” que, contrario a la suerte de los Montesco y Capuleto, cuenta hasta con el apoyo del papá de la princesa. “It’s a love story, baby just say yes”, dice la canción.

En esos dos álbumes Swift se crea a sí misma como el personaje protagonista de las historias de amor, que luego se van transformando en los amores maduros que presenta en Speak Now (2010) y Red (2012), asociados a sus primeras relaciones y que darían paso a que, en la regrabación de Red, Swift dirigiera un corto de 10 minutos en el que una ruptura y la reflexión en torno al dolor forjan a una escritora que narra su propia experiencia y que es ella misma.

Luego, con 1989 (2014) y un determinado paso al pop, que coincide con el traslado de la cantante desde su seno familiar en Nashville a un bullicio exterior en Nueva York, abre paso a otra propuesta de ficcionalización de sí misma en las canciones: como la parodia de la millonaria dramática en el video de “Blank Space”, la feroz heroína en el de “Bad Blood”, la dueña de su sexualidad en “Wildest dreams”, hasta el liberador soundtrack que le da ritmo a su vida en “Welcome to New York”.

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Seguido a ese álbum y las bajas jugadas de cierto personaje de la industria del rap, llega Reputation (2017), un álbum en el que ya no solo muestra una consciencia de ella en la ficción, sino de ella como artista y figura pública. La dualidad entre la rabia y el entierro de la “vieja Taylor” y el nacimiento de una nueva Taylor y un nuevo amor, es algo que algunos han asociado con el poema “Lady Lazarus” de Sylvia Plath, en el que la poeta habla de un renacimiento proveniente de las cenizas. “Lo siento, la vieja Taylor no puede pasar al teléfono. ¿Por qué? Porque está muerta”, dice una de las canciones que nacieron tras ser foco de críticas y odio. Lo que vivió durante el año en el que se refugió a escribir ese álbum también vuelven a la escena ahora en The Tortured Poets Department, con la canción “thanK you, aIMee”, en la que le manda un saludo a quien era la pareja del rapero.

Tras ese reconocimiento de sí, aparece Lover (2019), un álbum en el que ya no solo se ha encontrado a ella misma, también es capaz de verse en los otros. Además del himno al amor que es la canción “Lover” -y que incluyó en la fase de “negación” de la promoción de TTPD-, el disco hace un guiño a su propio universo: el amor ya no es el rojo de Red, sino que tras el paso de los años y su propio arte, se dio cuenta de que es dorado. El inicio del short film de “All too well”, de Red, cita el “es tan corto el amor y tan largo el olvido” de Pablo Neruda y la portada de Lover, según algunas interpretaciones, se asemeja a la cobertura de Veinte poemas de amor del escritor chileno. Además, algunos lectores, han relacionado “All too well” con el Poema 20.

Folklore (2020) y Evermore (2020), que parecen dos partes de una misma historia, vuelven al punto en el que empezó todo: historias de fantasía (ahora en bosques encantados) al sonido del country, aunque, a diferencia de los primeros álbumes, ella es la autora, mas no la única protagonista. “Cardigan”, “August” y “Betty” son tres canciones con tres puntos de vista -o narradores- de una misma historia que involucra a una tercera persona en un noviazgo.

“The Lakes”, con su “Take me to the lakes where all the poets went to die” (Llévame a los lagos donde todos los poetas fueron a morir) se refiere a los poetas románticos que vivieron en el Distrito de los Lagos en Reino Unido: William Wordsworth, Robert Southey y Samuel Taylor Coleridge. El famoso poema “La rima del antiguo marinero” de Coleridge habla de un albatros, título de una de las canciones de TTPD. En la clase de Burt en Harvard una de las aproximaciones a Swift es con relación a Wordsworth.

Los románticos ingleses del siglo XIX fueron una reacción al racionalismo que dominaba el pensamiento de la época y encontraban en la naturaleza, tal como en los paisajes de Folklore, un lugar para reinterpretar el ser, el amor y el arte mismo.

“Hay una serie de referencias a lo mejor de la tradición poética anglo. Comenzando con William Shakespeare con Love Story; Wonderland (de 1989) a Alicia en el país de las maravillas; “Cardigan”, “August” y “Betty” a Peter Pan; referencias a Margaret Atwood y Sylvia Plath, Scott Fitzgerald, Hemingway; además ella viene del folk, por lo que tiene una gran comunicación con músicos populares y, por supuesto, con Bob Dylan”, agrega Díaz-Granados.

En cuanto a Evermore, el álbum se ha relacionado con Emily Dickinson. De hecho, fue anunciado el 10 de diciembre de 2020, en el aniversario de la poeta. Además, el nombre del disco puede leerse en clave del poema “One Sister Have I in Our House”, que termina con un verso que dice: “Sue forevermore”. Se especula que la canción “Ivy” habla del amorío de Dickinson con su cuñada Sue (Susan Gilbert), incluso, la canción apareció en un episodio de la serie de Apple TV sobre la poeta.

La tradición poética estadounidense, en palabras muy resumidas, puede leerse desde dos vertientes. Una es la de Walt Whitman, el poeta épico que habla tanto de la fundación de una nación como de la caída de ese sueño, algo que, por ejemplo, Bob Dylan hereda en sus canciones en las que menciona una nación derrotada y quebrantada. Por otro lado, está Emily Dickinson, una vertiente más íntima y contundente, de la que, en palabras de Díaz-Granados, Taylor Swift empieza a ser una suerte de nieta: “en eso ella, como protagonista de sus propias canciones y de su propia experiencia personal, habla de la experiencia colectiva: es protagonista y autora”.

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Con Evermore se celebró como magistral su escritura en canciones como “Dorothea”. Por otro lado, en “Champagne problems”, acoge el popular “One for the money, two for the show, three to get ready, and four to go”: una suerte de cuenta del uno al tres, que han vocalizado artistas como Elvis Presley y Lana del rey, y lo resignifica dentro de su propia narrativa, antagonizando la frase original: “One for the money / Two for the show / I never was ready / So I watch you go” (Uno por el dinero / Dos por el show / Nunca estuve lista / Entonces te vi irte).

Finalmente, el pop de Midnights (2022) continúa recogiendo historias de amor complejas y también retoma las reflexiones sobre sí misma, en canciones como “Antihero”, y de Taylor Swift como autora: “Karma”, contrario a lo que podría pensarse, no dice a la ligera que el karma es su novio, un dios, el viento en su cabello o un gato. Todo está relacionado con el karma del director ejecutivo de Big Machine Records, Scott Borcheta, sin mencionarlo, refiriéndose a un “spider boy” o un “scooter braun” que se hizo una corona con los centavos de ella.

Con The Tortured Poets Department: The Anthology (2024), se cierra el ciclo que Swift había comenzado con Folklore y Evermore, contando, una vez más, su vida maquillada con personajes e historias ficticias, sin abandonar el protagonismo de su propia experiencia. Y el álbum termina con “The Manuscript”, cuya última línea dice: “Now and then I reread the manuscript / But the story isn’t mine anymore” (De vez en cuando releo el manuscrito / Pero la historia ya no es mía). Y con esto, la cantante le entrega el manuscrito a sus seguidores, para que sean ellos quienes lean las líneas y las convierten en propias. Esa última frase es un eco al discurso con el que arrancó The Eras Tour: “Estas canciones quizás empezaron siendo sobre algo que me pasó a mí, o sobre un personaje que me inventé, pero mi sueño es que, cuando entren a sus mundos, se vuelvan acerca de sus vidas”.